The Myth of More: Hyper Productivity, Performance, and the Price We Pay
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It’s hard to stay positive these days, isn’t it? I used to think it was just me, but recently, Jaime and I began a heartfelt project with director and screenwriter Amanda Lundquist to reflect on our community and the people around us, and I’ve come to realize this feeling runs much deeper and broader than I expected.
It’s still a baby project (too early to share all the details), but we’re genuinely excited to create something personal, touching, and meaningful. As we listen to the people who’ve participated so far, a common thread emerges: a quiet, collective despair, a sense of uncertainty I haven’t encountered before.
From the chaos of global conflicts and senseless violence, to the erosion of rights and freedoms in the U.S., not to mention the fragile state of the film industry. Everything feels increasingly volatile and uncertain. But, alas, we must keep pushing, surviving, and creating.
And that’s what I really wanted to talk about, this relentless modern era we live in, where we’re expected to keep pushing and grinding until we’re all teetering on the edge of burnout. Have you seen that viral video of the fitness influencer who wakes up at 4 a.m. and follows some over-the-top routine? I encourage you to watch it if you want to get a good laugh; there are hundreds of memes and parodies floating around on social media.
Society keeps pushing this narrative: wake up before dawn, hit the gym, maximize every second of your day, constantly self-optimize: be more productive, stronger, richer, better. But here’s the real question: Are you actually better because of it? More importantly, are you any happier?
Back in March, we had the opportunity to work on the New York production of Gala Hernández‘s latest documentary. Her César-winning short film La Mécanique des fluides dives into the world of the manosphere, while her newest short, +10K, which just premiered at the Quinzaine des Cinéastes in Cannes, explores the cult-like culture surrounding Bitcoin bros. She’s been exploring precisely some of the topics resonating heavily on my mind, so it was an absolute pleasure collaborating with her. On her new film, she explores our deep-rooted human desire to control our dreams, an ambitious and fascinating theme. Gala is a rising director with a sharp vision and a strong voice, I highly recommend you keep an eye on her work.
Lately, I’ve been having conversations with friends and colleagues about this strange time where self-promotion seems more valued than the work itself. Being your own salesperson, crafting your brand, and constantly marketing yourself often appear to outweigh the actual substance of what you do and who you are, it’s insane… I’ve always believed in the power of doing your job well and letting the work speak for itself. That’s why I’ve never been a fan of the fake it till you make it motto; it’s always struck me as a Trump-esque mantra, all flash and no foundation. It prioritizes appearance over authenticity, selling an image over delivering something real, and places more value on your network than on the work itself.
Now, rant over, friends. And yes, I am not lost on the irony of delivering this in newsletter form.
Because on a more hopeful note, the film industry seems to be stirring into action despite reaching a point of deep desperation. While I’m not talking about Trump’s absurd tariffs on foreign films or Jon Voight’s latest delusions, there are promising signs. New York has signed an great package of tax incentives and serious proposals are on the table for California. Real policy shifts that could bring meaningful support to filmmakers.
Ideally, this will lead to a resurgence in domestic productions across the U.S. We’re currently seeking new partnerships and projects for our 2025 slate. Whether you’re in New York, LA, or anywhere across the globe, if you’re looking for a creative-minded production partner with a strong production hand that cares about getting the job done instead of talking about it without delivering, we’d love to hear from you.
Thanks for being on the other end of this message, reading, reflecting, and engaging with our thoughts.
— Carmen Simón Rubio —
Recommendations:
To watch: Friendship (One of the funniest comedy films in a very long time)
Overrated: Mufasa (We love Barry Jenkins but the Disneyfication is too heavy)
For your ears: Artemis: Tiny Desk Concert
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Creative Resilience
(3 minutes reading time)
Two weeks ago, I was invited to speak at a Yale University roundtable as part of the congress “Spanish Actors in Exile.” While waiting to start, I listened to a few of the papers presented. Mar Díaz’s caught my attention. It was about the rise, struggle, and adaptation of the Hollywood star Antonio Moreno, an actor from Spain who became a sex icon in the silent cinema era. One of his acting traits was to deliver his lines in Spanish to connect deeper with what he was saying. In the end, no audience would listen to his voice. Side note: to prove it, Maria put together an occurrent and funny montage with a Spanish-speaking voice actor who dubbed Moreno.
With the coming of the sound cinema, his accent got in the way. He was fired from some sets because he was not able to pronounce a word the way the director wanted to. Ouch. He had to adapt.
Pressured also by the new generations of actors taking over his leading roles, he transitioned to character actor accepting roles with, let’s say, an ethnic flavor: as a Native American, Mexican, or the bad guy coming from a foreign land. He also started working behind the camera, directing and producing, where he found more success. Moreno was key when Hollywood produced Multiple-language versions of their first sound movies for the Latin American market, where he was still a big name. This solution blew my mind.
If you are unfamiliar with the Multiple-Language versions, language was not a barrier when distributing silent films worldwide. The studios only had to translate some title cards. Sound cinema brought the actors’ voices and, you guessed well, a big distribution headache when selling to non-English-speaking markets.
With still rudimentary dubbing or subtitling technologies, what Hollywood and some European studios did was produce Multiple-language versions. They hired screenwriters, directors, and actors who spoke the targeted language. They briefly adapted the scripts and shot a new version with those new actors in the same sets and wardrobe in no time. The studios abandoned this strategy due to the high costs and the development of dubbing and subtitling solutions.
End of the history note. Let’s get back to April 2025. The same weekend I learned about the creative reinvention of Antonio Moreno, Poppy Jasper Int’l Film Festival, one of the top indie festivals, screened Los Sandy’s. Life has extraordinary coincidences. Antonio Moreno and Los Sandy’s share a similar story: Immigrants in the US becoming artists to make a living in their new homeland. Los Sandy’s, the short doc we have in festivals, follows the Mexican Jackson Five case in California. A Mexican folk band formed by five siblings between 17 and 8 years old. While struggling, they are forced to move from the home where they lived all their life to another house they cannot afford. The truth is that they get the spotlight, but the heart of the band is actually Julia, the mom, who glues the family together with overwhelming love and sacrifice.
The film dignifies and elevates the efforts of an immigrant family that, dispossessed of any privilege, moves forward by playing music. The film was very well received and got, I am humbled and honored to say, the Best Documentary Short and Director’s Circle awards. Another coincidence: the gala took place at the Granada Theater in Morgan Hill, CA, and, you know, I am originally from Granada, Spain.
Today, telling a story like Los Sandy’s is a political act of resistance. A recurrent conversation I hear is: what can we do here now? My answer is: we are artists; we are storytellers. We need to tell these stories, and we need to tell them now. The film needs to be seen. The story needs to be shared. For this reason, and even when we are still in the festival run, I want to share the film with you. It’s 28min. I hope you enjoy it.
Here is Los Sandy’s:
Recommendations:
To watch: Conclave. Live from The Vatican. The story unfolds.
Overrated: Holland. I don’t know where to start.
Discovery: Chano Pozo. Master “conguero” and his delicious Afro-Cuban Jazz. Spotify. Wikipedia
PS: Another coincidence at PJIFF. The festival screened the short doc Way of the Shepherd by our friend Matt Boyd in our same block. Matt and I also shared a block at AmDocs’24, where Los Sandy’s premiered.
Welcome to the A FILMS Newsletter
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Hi!
If you are receiving this email, it is because either Carmen or myself, if not both, have shared a set, a festival, a mixer, or any common film-related love with you. We intended to send a first non-annoying message and somewhat sporadic newsletter from A FILMS saying Hi! and sending our good wishes for the new year. After all, we closed 2024 on a very high note despite the state of the industry. We produced 169 short videos in one single year for Tzu Chi USA, had a fun and successful festival run with Los Sandy’s, and produced the NY section of the new music documentary of Fernando Trueba. Yes, Trueba! Do you remember the delightfully haunting album Lágrimas Negras? He produced it! Or the 1993 Oscar winner Belle Epoque? He was the director! Him. Side note: we are so privileged to leave our sets soul-lifted… sigh
Photos by Alvaro Saavedra
But instead of resting, regrouping, and thoughtfully planning the new year with positivism, 2025 has been more bumpy than we expected. To start, five wildfires struck Los Angeles. Two of them devoured Pacific Palisades/Malibu and Altadena in Northern LA, reducing to ashes nearly 30,000 buildings, mostly residential, displacing thousands of people, and taking the lives of 29. Without delay, I am called to urgently get into Disaster Relief Mode and put together two teams to cover Tzu Chi USA’s efforts to help those affected. From here, everything else has been on standby for me until I returned to New York almost two weeks ago.
Meanwhile, on the other side of the country, a political earthquake hits globally. Trump is finally president again, creating turmoil with his battery of changes seeding uncertainty left and right in the US and overseas. How would this affect the weakened American film industry?
I am scanning the film-specialized press, looking for hints on how the new direction of this country will affect the film industry. Will “America First” mean he will force platforms and studios to bring back the jobs they took overseas? Or, as far as the money comes to the US, as it still does, is America already the first as per his parameters? A fundamental question arises: What is then America? A financial concept or its people? But that is another conversation. What is certain is that his appointed “special envoys” to reboot Hollywood, John Voight, Mel Gibson, and Silvester Stallone, raise more questions than hope. Note that some of them had no idea about this until Trump published on True Social with the info.
Steven Zeitchik’s interesting analysis in The Hollywood Reporter shows how the industry is reacting and moving towards or against, often shifting, but definitively more polarized. The Motion Picture Association is already flirting with the new administration, while the Academy has yet to make a move after embracing diversity after years of criticism. Maybe at the Oscars? Don’t miss the detail about the Latino community: the top moviegoers by far, 45% of which voted for Trump, while they are being demonized and prosecuted.
After witnessing an LA of ashes and tears, twisted metal structures covered in soot, I can’t help thinking that this fire took in minutes the homes, resources, memories and dreams of many without caring about their social status, job situation, creed, or who they voted for. It just burned. Everything. The fire prevention, extinction, and recovery work needs to be done as horizontally as blind as the fire is. Outside the silver screen, no 80s action heroes will fix these. It’s on us.
For Health, Wisdom, and many Stories.
Photos by Jaime Puerta
Recommendations:
To watch: I am still here.
Overrated: The Brutalist and The Substance
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Los mapas interactivos en la ficción audiovisual
Los grandes proyectos de las industrias culturales están cada vez más dirigidos a construir mundos ficcionales atractivos. Hace relativamente poco que los mundos ficcionales han pasado de ser un concepto mercadotécnico, sin una forma definida, a convertirse en un elemento atractivo e innovador capaz de ser plasmado en diversos contenidos. En concreto, los más atractivos son los mapas interactivos que delimitan los mundos ficcionales vinculados a determinadas franquicias cinematográficas y series de televisión.
El uso de mapas para dar forma a la geografía de los mundos ficcionales no es algo nuevo. J. R. R. Tolkien y, posteriormente, su hijo, Christopher Tolkien, crearon diversos mapas que recreaban la geografía de la Tierra Media con la finalidad de orientar a sus lectores. Partiendo de la misma idea, pero utilizando las posibilidades interactivas que ofrecen actualmente las páginas webs, en los últimos años han surgido varios mapas de mundos ficcionales célebres que están despertando una gran curiosidad entre sus fans.
Uno de los mapas interactivos más elaborado es precisamente el de la Tierra Media. Si bien ya existía un mapa vinculado a la trilogía de El señor de los anillos, el proyecto A Journey Through Middle-Earth, llevado a cabo en colaboración con Google para promocionar la trilogía The Hobbit, aparecería como uno de los grandes experimentos del gigante tecnológico para demostrar el potencial del HTML5 para crear contenidos interactivos. El resultado es una experiencia inmersiva a través de un mapa interactivo de la Tierra Media que ofrece la posibilidad de explorar las ubicaciones, la trayectoria de los héroes o los campos de batalla de las dos trilogías realizadas por Peter Jackson.
El experimento de Google está enfocado en potenciar la capacidad de los mundos ficcionales como artefacto comunicativo, y como espacio de cohesión y articulación de diversas producciones cinematográficas unidas por un mismo mundo ficcional. El modelo de mapa interactivo propuesto por A Journey Through Middle-Earth se ha convertido en una referencia, siendo imitado por la serie The magicians para darle forma al mundo ficcional de Fillory.
Algo similar, aunque menos elaborado, se ha creado en base a la popular serie Juego de Tronos. Se trata de Quartermaester, un mapa creado por un fan de esta serie que cartografía los continentes Westeros, Essos y Sothoros e incluye el viaje de cada personaje tanto en el libro como en la serie. Para evitar posibles spoilers, el mapa ofrece la posibilidad de configurar el viaje de cada personaje por episodios.
Si los ejemplos anteriores exploran las posibilidades creativas y comunicativas de los mundos ficcionales, existe un ejemplo más ambicioso que tiene como finalidad mapear todo un universo ficcional, en concreto, el de Star Wars. El proyecto, llevado a cabo por la firma Nclud, ha dado forma a esta mítica galaxia para que los usuarios inspeccionen los planetas que van apareciendo en los diversos contenidos canónicos de esta franquicia.
Lucasfilm aún no ha reconocido este mapa como canónico, pero es cada vez más evidente y necesario, dada la expansión acelerada de este universo en los últimos años, que Star Wars ofrezca a su enorme comunidad de fans un mapa que les permita visualizar y comprender mejor la configuración de este universo ficcional.
Tanto el mapa de Juego de Tronos como el de Star Wars utilizan los mundos ficcionales para construir una experiencia interactiva que permite a los fans comprender mejor estas historias. Por ahora, las posibilidades interactivas que ofrecen ambos mapas son muy limitadas, pero sirven como punto de partida para darle forma y explorar estos espacios ficcionales.
En definitiva, cartografiar mundos y universos ficcionales incorporando las proposiciones interactivas que proporcionan las páginas webs, ofrece nuevas oportunidades creativas, comunicativas, narrativas o, incluso, sociales. No obstante, aún son escasas las franquicias o series que crean mapas interactivos vinculados a sus estrategias promocionales que, a su vez, sean un espacio convergente que sirva de nexo entre diversas producciones, temporadas o capítulos. Puede ser, y ya existen ejemplos de gran envergadura como hemos visto, que mapear los mundos y universos ficcionales se convierta en una labor de aquellos fans que sientan la necesidad de definir su forma.
Qingdao: la metrópolis del cine asiático
China es actualmente el segundo mayor mercado mundial de cine y sigue teniendo un amplio margen de crecimiento debido al impulso socioeconómico por el que está atravesando el gigante asiático. El número de salas de cine en este país no ha parado de crecer, llegándose a abrir hasta 10 salas al día en el momento más álgido, por lo que China se ha posicionado como uno de los mercados cinematográficos más dinámicos del mundo que amenaza constantemente con superar los ingresos en taquilla que de forma tradicional ha dominado Estados Unidos.
El impulso cinematográfico en China es un reflejo de las transformaciones que se están llevando a cabo para desarrollar las industrias culturales, el cual es un sector estratégico para este país. El cine se está considerando como un instrumento clave para incrementar la influencia cultural de China en el mundo, es decir, el soft power de China. Esta visión estratégica sobre el cine, influida por la eficacia histórica del soft power estadounidense sustentado en sus industrias culturales, es lo que desde principios de este siglo está promoviendo la construcción y renovación de las infraestructuras necesarias para realizar grandes producciones cinematográficas.
Ahora bien, desde la mitad de los años noventa, uno de los principales espacios de referencia para la producción cinematográfica china ha sido Hengdian World Studios, el cual se ha considerado hasta hace poco como el estudio de cine más grande del mundo. Situado en la ciudad de Dongyang, provincia de Zhejiang, este macrocomplejo, compuesto por trece estudios y a menudo denominado como Chinawood, es reconocido por la recreación de grandes construcciones como el Palacio Imperial de Qin o el Antiguo Palacio de Verano.
A pesar de la continua renovación y expansión de Hengdian World Studios, el magnate Wang Jianlin, presidente del Grupo Wanda, anunció en 2013 la construcción de un nuevo complejo cinematográfico mucho más grande con el fin de mejorar y revolucionar las industrias culturales chinas. El proyecto de Wang Jianlin, que incluye el estudio cinematográfico más caro y grande del mundo, se ha inaugurado en abril de 2018 en la ciudad costera de Qingdao y ya se le conoce como la metrópolis del cine asiático. Entre otras instalaciones destacables, esta metrópolis por ahora cuenta con 30 estudios de grabación, siendo uno de ellos el más grande del mundo con 10.000 metros cuadrados, y con estudios de grabación marinos, que contienen tanto espacios interiores como exteriores, los cuales también son los más grandes del mundo.
Aunque hace poco que ha abierto sus puertas, la nueva meca del cine chino no ha esperado a su inauguración para iniciar su actividad y mostrar su potencial al mundo entero, el cual se puede apreciar en las diversas producciones de gran magnitud que se han realizado en los últimos años, entre las que destacan The Great Wall (Yimou, 2015) y Pacific Rim: Uprising (Deknight, 2018).
De forma paralela, la creación de esta nueva metrópolis no es una inversión aislada del grupo Wanda en esta industria, que previamente realizó la compra de AMC Entertainment y Legendary Entertainment, dos grandes compañías estadounidenses de este sector. La ramificación de los intereses del grupo Wanda en la industria audiovisual de EEUU y su apuesta por transformar las industrias culturales en China ponen de manifiesto la estrategia de este grupo empresarial: la creación de sinergias y la convergencia de las industrias audiovisuales y cinematográficas de estos dos países.
Así pues, la inyección económica que está recibiendo esta industria tanto en nuevas infraestructuras, soportadas por el conglomerado Wanda, como por la puesta en marcha de políticas del gobierno de Qingdao para subvencionar las producciones que se realicen en esta zona, allana el terreno para que la producción cinematográfica sea una parte importante y estratégica del soft power chino. En este sentido, el objetivo de la metrópolis del cine asiático es no solo construir un espacio puntero que ofrezca las mejores condiciones para producir blockbusters, sino crear marcas culturales chinas globales que expandan la imagen de China.
Si las expectativas se cumplen, la nueva metrópolis del cine chino será una gran oportunidad para proyectar a nivel internacional las producciones nacionales. Por ahora, el número de producciones chinas con recorrido internacional es muy reducido en comparación con su volumen de producción. Aunque la capacidad de recaudación del mercado chino es aún suficiente para estimular la producción nacional, las inversiones realizadas refuerzan la exportación de un ecosistema de marcas en torno a directores, actores y mundos ficcionales que apuntalen la internacionalidad de esta industria.
A pesar de todo, la barrera cultural y la ausencia aún de una fórmula comercial global eficaz, sigue obstruyendo las pretensiones internacionales de las grandes producciones chinas. Es por ello que el proyecto desarrollado en Qingdao, destinado a captar producciones internacionales provenientes principalmente de Hollywood, puede servir como vehículo de aprendizaje, transformación e innovación en el cine chino. Empero, la magnificencia del grupo Wanda y el brillo deslumbrante de su nueva metrópolis del cine asiático todavía tienen que demostrar que, más allá de ser un proyecto ambicioso vinculado a grandes intereses económicos, existe también una planificación estratégica para mutar y redirigir la industria cinematográfica china hacía un mercado internacional, superando todos los desafíos que ello conlleva.